Das Arp Museum Bahnhof Rolandseck zeigt mit »Immer wandelt sich die Schönheit« und »Luxus und Glamour. Vom Eigensinn des Überflüssigen« zwei Ausstellungen, die sich mit dem Thema Mode beschäftigen. Gleichzeitig sind in verschiedenen Museen Deutschlands weitere Mode-Ausstellungen zu sehen. Das Kunstmagazin art widmete dem Thema Mode im Dezember 2020 ein Spezialheft.

Was macht das Thema in der Kunstwelt so aktuell und wie kommt die Mode ins Arp Museum?

Auf der einen Seite gab es die Handwerker*innen und Schneider*innen, die die Kleidung nach den Vorgaben ihrer Auftraggeber*innen fertigten. Auf der anderen Seite die Künstler*innen, die die modische Kleidung mithilfe von Porträts berühmter Persönlichkeiten festhielten. Diese historischen Zeugnisse geben uns heute einen Einblick darüber, welche Kleidung und Accessoires in welchem Jahrzehnt en vogue waren. Wie Sie beim Durchklicken unserer Slideshow erkennen, ist das, was als schön gilt, in ständigem Wandel begriffen – abhängig von Zeit und Ort und natürlich auch dem eigenen Geschmack.

Heute sind die Grenzen zwischen Kunst und Mode längst fließend geworden. Unsere Hauspatronin, Sophie Taeuber-Arp, steht vorbildlich für diese Entwicklung. Ihr erklärtes Ziel war es schon vor hundert Jahren, die Grenzen zwischen angewandter und freier Kunst aufzuheben. Aber – warum eigentlich und wie kam es dazu?

Diese Tendenzen hatten Auswirkungen auf die Ausbildung und das Selbstverständnis von weiblichen Akteurinnen der Kunstwelt. Künstlerinnen wie Sophie Taeuber-Arp oder Sonja Delaunay agierten bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts ganz selbstverständlich als Designerinnen für Mode, Schmuck und Accessoires aber auch als freie Künstlerinnen.

Obwohl das kreieren von Mode ein kreativer Prozess ist, gilt sie als ‚Kunsthandwerk‘. Dem Designen wurde darum in der Vergangenheit ein geringerer Status zugeschrieben, als der bildenden Kunst. Aber warum gibt es diese Unterscheidung zwischen diesen ähnlichen Bereichen überhaupt? Und ist sie heute noch aktuell?

Modeschöpfer*innen lassen sich von Kunst inspirieren und inszenieren sich als Künstler*innen. Nicht nur – aber auch der geniale Karl Lagerfeld. Mit seiner Herbst-/Winterkollektion 2015 für Fendi feierte er Sophie Taeuber-Arp und ihre Kunst. Ihre abstrakten Werke flankieren den Laufsteg, die Models posieren für die Werbekampagne mit vergrößerten Marionetten der Künstlerin und ihre abstrakte Formsprache inspirierte Lagerfeld zu seinen Entwürfen.

Aber auch Künstler*innen befassen sich mit den Phänomenen rund um die Mode. In der Ausstellung »Luxus & Glamour. Vom Eigensinn des Überflüssigen« fragen Stipendiat*innen des Künstlerhauses Schloss Balmoral und des Landes Rheinland-Pfalz aus Sicht der Kunst nach dem facettenreichen Verhältnis von Mode, Schmuck und Kunst.

In dieser Tradition lassen sich heute Modeschöpfer*innen von Kunst inspirieren und inszenieren sich als Künstler*innen. Nicht nur – aber auch der geniale Karl Lagerfeld. Mit seiner Herbst-/Winterkollektion 2015 für Fendi feierte er Sophie Taeuber-Arp und ihre Kunst. Aber auch Künstler*innen befassen sich mit den Phänomenen rund um die Mode. In der Ausstellung »Luxus & Glamour. Vom Eigensinn des Überflüssigen« fragen Stipendiat*innen des Künstlerhauses Schloss Balmoral und des Landes Rheinland-Pfalz aus Sicht der Kunst nach dem facettenreichen Verhältnis von Mode, Schmuck und Kunst.

Aufgewachsen im Schweizerischen Trogen, einer Hochburg der Weberei und Stickerei in der Schweiz, ist der Künstlerin das Textilhandwerk von früher Jugend an vertraut. Als junge Frau geht sie nach München, um an der Debschitz-Schule für angewandte und freie Kunst zu studieren und absolvierte im Wintersemester 1912/13 ein Semester an der Kunstgewerbeschule in Hamburg. Außerdem nimmt sie Tanzunterricht bei Rudolf von Laban, einem Vorreiter des Ausdruckstanzes.

Ab 1915 schuf Sophie Taeuber-Arp gleichzeitig mit Piet Mondrian und Kasimir Malewitsch geometrische Zeichnungen, mit denen sie als Pionierin der konkret abstrakten Kunst in Erscheinung tritt. Die gleichen und ähnliche Motive nutzt sie für Wandteppiche, Kissen, Kostüme, Perlenbeutel, Ketten, Armbänder und Ringe. Ihren Lebensunterhalt verdient sie von 1916 bis 1929 als Leiterin der Klasse für Textiles Gestalten an der Kunstgewerbeschule Zürich. Auch hier versucht sie, ihre klare abstrakt geometrische Formensprache durchzusetzen. Gleichzeitig arbeitet sie auch als freie Künstlerin, gestaltete Innenräume, wie bei der Aubette in Straßburg und baute in Meudon das Atelierhaus, in dem sie gemeinsam mit ihrem Mann, Hans Arp, ab 1926 lebt und arbeitet.

Als Künstlerin, Designerin, Tänzerin, Lehrerin und schließlich sogar (Innen-)Architektin verkörpert Sophie Taeuber-Arp die Verbindung von Kunsthandwerk und künstlerischer Avantgarde ihrer Zeit. Bis heute inspirieren ihre geometrischen Entwürfe nicht nur Designer*innen sondern auch bildende Künstler*innen. Mit 17 avantgardistischen Marionetten für das dadaistisch abgewandelte Figurentheater König Hirsch eroberte sie 1918 die Herzen ihrer Künstlerfreund*innen und viele Jahre nach ihrem Tod das von Karl Lagerfeld.

Sophie Taeuber-Arp hat gewebt, gestickt und genäht. Entstanden sind Pompadours – kleine Beutel – Ketten und Armbänder aus tausenden kleiner Glasperlen, eigene Kleidungsstücke und Kostüme für Maskenbälle, angeregt durch orientalische Vorbilder oder die traditionelle Kleidung der Hopi-Indianer. Auch für ihre Tänze und Dada-Auftritte hat die Künstlerin Kostüme und Masken getragen. Sie war angetan von Mode, posierte in den Kreationen ihrer Freundin Sonja Delaunay und war begeistert von Paul Poiret.

Was machte Mode für sie und andere Künstler*innen des 20. Jahrhunderts so interessant? Und warum verstanden sich Modedesigner*innen plötzlich als Künstler*innen? Einer der Vorreiter dieser Tendenz war Charles Frederick Worth.

In der Ausstellung Luxus & Glamour. Vom Eigensinn des Überflüssigen fragen 18 Stipendiat*innen des Künstlerhauses Schloss Balmoral und des Landes Rheinland-Pfalz aus Sicht der Kunst nach dem facettenreichen Verhältnis von Mode, Kunst, Luxus, Glamour, Konsum und Überfluss. Die Perspektiven sind vielfältig. Die Ergebnisse reichen von tragbaren und nicht tragbaren Kleidungsstücken und Accessoires über Luxusobjekte und Kunstwerke bis hin zu einem Popup-Shop.

Die Herstellung, genauso wie die Wahrnehmung von Kunst kann als eine Art Luxuserfahrung charakterisiert werden. Insbesondere die Freiheit, sich während des künstlerischen Schaffens etwas scheinbar Überflüssigem hinzugeben. Diesen Luxusmoment thematisieren die Arbeiten von Thomas Perrin und Lydia Nüüd auf unterschiedliche Weise.

Perrins Schöpfungen bilden die vermeintlichen Arbeitsbedingungen von Künstler*innen ab. Ist Kunst keine Arbeit?! In seinem Werk gewährt er einen intimen Einblick: miniaturhafte und monochrome 3D-Drucke zeigen eine im Bett schlafende männliche Figur. Das Paradox zwischen der dem/r Künstler*in zugeschriebenen Rolle als Faulenzer*in und der realen Arbeitssituation wird so aufgedeckt und kritisch hinterfragt.

Die künstlerische Praxis Lydia Nüüds knüpft aus einer anderen Perspektive an die Frage nach dem Selbstverständnis von Künstler*innen an. Sie wendet sich einer Arbeitsweise zu, die verausgabend und ausschweifend ist. Das Ausgangsmaterial für ihre riesigen abstrakten Installationen bildet Geschenkband, dass sie in einem zeitintensiven Prozess häkelt und bearbeitet. Die ausgestellten farbenfrohen Objekte entstanden über mehrere Jahre und können durch ihren modularen Aufbau an die jeweilige Raumsituation angepasst werden. Die Wandelbarkeit ihrer Skulpturen manifestiert sich eindrucksvoll im Bahnhofsfoyer sowie in einer raumgreifenden Installation auf der Patronatsetage im Neubau.

Dem Zusammenhang zwischen Kleidung und Körper spüren die Arbeiten von Sarah Ama Duah und Alexandra Deutsch nach. Ihre Werke wandeln sich durch den menschlichen Körper als Träger.

Sarah Ama Duah verknüpft mit ihren Sculpture Dresses Bildhauerei und Mode in überraschender Weise miteinander. Second-Hand Kleidungsstücke überzieht sie mit Silikon, wodurch sie einen steifen und monochromen Look erhalten. Durch diesen Prozess erhalten die Kleidungsstücke einen skulpturalen Charakter. Die Arbeiten werden auf Bügeln hängend präsentiert. Die Abwesenheit des tragenden Körpers verstärkt die skulpturale Eigenständigkeit der immer noch tragbaren Kleidungsstücke.

Alexandra Deutschs textile Plastiken gewinnen durch das Tragen am Körper eine weitere Dimension. Die organisch anmutenden Tentakel und Wurzeln ihrer Raíces rojas erwachen während Performances mithilfe des Körpers der Künstlerin zum Leben. Deutsch eröffnet mit ihren Stoffgebilden einen Dialog zwischen Objekt und Subjekt, der durch Choreografien und improvisierte Bewegungsabläufe weitere Assoziationsketten auslöst.

Welchen Einfluss Mode auf die Kategorisierung von Körpern hat, beweist Anna Lucia Nissen während ihrer Performance Die Hure schlägt zurück. Sie performt in wechselnden Rollen eigens dafür geschriebene Texte, die sich mit Machtverhältnissen zwischen den Geschlechtern auseinandersetzen. Die Rollen wechselt Nissen dabei allein durch das Experimentieren mit der eigenen Stimme und einer sich verändernden Körpersprache. Ihr Outfit spielt trotzdem eine wichtige Rolle, weil es von vornherein mit geschlechtlichen Zuschreibungen spielt. Für ihre Performance fertigte Nissen metallene Sporen für ihre High Heels, sowie einen Fehdehandschuh mit vergoldeter Plattenpanzerung an. Die Härte des Metalls prallt während der Inszenierung auf die weiblichen Attribute und verdeutlicht die Problematik festgeschriebener Geschlechterrollen.

In den Gemälden von Lukas Schmenger stehen sich die Geschlechter versöhnlich gegenüber. Experimentell entwirft der Künstler seine Kompositionen zunächst auf der Rückseite der Leinwand. Auf der Vorderseite entstehen durch einen aufwendigen Prozess so Flächen und Linien, die an nackte Körper erinnern. Unklar bleibt, ob wir als Betrachter*innen, ähnlich eines Röntgenbildes in die Körper hineinsehen können oder, ob wir nur das Äußere betrachten. Durch die Überlagerung der Flächen und Linien wirken die Malereien wie eine Mischung aus medizinischem Lehrmaterial und Zukunftsvisionen.

Wie Kleidung in der Zukunft aussieht, fragen zwei Arbeiten im Nordraum der Ausstellung. Elif Saydam entwirft mit ihrer Installation eine Dystopie, in der Bienen ausgestorben sind. Die entworfenen Kleidungsstücke sind Teil der Arbeitskleidung für Künstler*innen, die nun das Bestäuben von Pflanzen übernehmen. Applikationen wie z. B. vergoldete Nudeln auf Jeans-Stoffen sind hierbei als Versuch zu verstehen, der künstlerischen Individualität Ausdruck zu verleihen. Die aufgefächerte Präsentationsform referiert auf die Abwesenheit eines menschlichen Trägers. Die Kleidungsstücke wirken wie Jagdtrophäen einer vermeintlich erfolgreichen Jagd nach Einzigartigkeit.

Femme Vival titelt die raumgreifende Arbeit Anna Herrgotts. Die Betrachter*innen werden mithilfe eines überdimensionalen goldschimmernden Spiegels selbst zum glamourösen Covergirl eines imaginären Hochglanzmagazins. Die in die Glasfläche eingravierten Headlines verweisen jedoch auf die längst vorherrschende Klimakatastrophe. In Anbetracht der jüngsten Diskussionen rund um ‚Fast Fashion‘ sind die Betrachter*innen demnach aufgerufen, sich mit ihrem eigenen, luxuriösen Konsumverhalten von Mode auseinanderzusetzen.

Ein weitreichendes Paradox der Mode ist das Streben nach Individualität, das zugleich allen Menschen gemein ist. Ekachai Eksaroj fragt, wie Kleidung von angesagten Modedesigner*innen Individualität verleihen kann, wenn sie zugleich millionenfach verkauft wird. Zu diesem Zweck hat der Künstler im Foyer einen exklusiven Verkaufsraum einer fiktiven Modemarke entworfen – jedoch sind keine Kleidungsstücke in diesem zu finden. Gekonnt versinnbildlicht Eksaroj dabei die sich immer weiter annähernden Verkaufs- und Präsentationskonzepte von Modemarken und Kultureinrichtungen.

Die Grenzen zwischen Kunst und Mode testen die Schmuckstücke Eunmi Chuns aus. Ihre Kreationen alternieren zwischen tragbaren Accessoires und eigenständigen Kunstobjekten. Mit Spiegel des Neids, einer Kollektion von Broschen aus Edelstahl und Silber beleuchtet die Künstlerin die Diskrepanz zwischen Selbst- sowie Fremdwahrnehmung und reflektiert die Konstruiertheit von Selbstentwürfen.

Vorherrschende Idealvorstellungen und Normen bilden das Referenzkonzept der Gemälde Aneta Kajzers. Farben und Formen bringt die Künstlerin zunächst intuitiv auf die Leinwand. Erst im Laufe des Gestaltungsprozesses greift sie diverse Elemente auf, die sie konkreter ausarbeitet. In einer assoziativen Auseinandersetzung mit den so entstandenen Farben und Formen entstehen eigentümliche Kreaturen, die durch Verzerrungen uneindeutig bleiben. Kajzer hinterfragt häufig Vorstellungen von Schönheit, geschlechtlicher Identität und sozialen Rollenbildern.

Manchen Materialien haftet eine glamouröse Aura an. In dem etwas vergoldet oder versilbert wird, erhöht sich der vermeintliche Wert des Objektes. Den Zusammenhang zwischen Material und Glamour legen János Fodor und Vera Gulikers mit unterschiedlichen Strategien offen.

So zeigt Fodor eine ungewöhnliche Kollektion von Schmuck- und Kleidungsstücken, bei denen er auf künstlerische Strategien und Strömungen wie Readymade und Pop-Art zurückgreift. Er verwendet für seine Arbeiten billige Materialien der Konsumwelt und bearbeitet diese mithilfe unterschiedlichster Techniken. Die Einzelstücke sind durch ihre Einzigartigkeit Haute Couture und entziehen sich aufgrund des verwendeten Materials zugleich dieser Kategorisierung.

Vera Gulikers begreift Luxus bei ihren Malereien als Veredelung und Ausschmückung. Sie rekurriert in ihren Arbeiten auf die Bildsprache der »Pattern and Decoration«-Bewegung und verknüpft sie mit dem kritischen Diskurs über die Bedingungen weiblicher Kreativität zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Neben einer ornamentalen Ausgestaltung nutzt Gulikers in ihren Gemälden ebenso die Technik der Beflockung, wodurch die Linien eine reliefhafte und weiche Oberfläche erhalten.

Die Stipendiat*innen Rut Blees Luxemburg und Nicole Ahland setzen sich in ihren fotografischen Arbeiten mit spezifischen Orten auseinander. Blees Luxemburg verbrachte ihr Stipendium in der Königlichen Saline der ostfranzösischen Gemeinde Arc-et-Senans. Währenddessen begab sich die Künstlerin auf eine fotografische Spurensuche über die Widersprüchlichkeiten des vom Architekten Ledoux entworfenen Ortes.

Die Fotografien von Nicole Ahland faszinieren durch die Abwesenheit menschlicher Subjekte. Was erzählt die Beschaffenheit von Räumen über die individuelle und soziale Verfasstheit von Menschen, die sich darin aufhalten und diese gestaltet haben? Im Rahmen des Projektstipendiums des Künstlerhauses reiste Ahland durch Ostdeutschland, recherchierte und fotografierte. Die Werkserie Stille Provinzen erzählt von den Spuren des Strukturwandels seit 1989, der von Verfall, Leere und Stagnation geprägt ist.

Judith Leinen verbrachte ihr Stipendium in New York – auch hier wirkte der Ort unmittelbar auf den künstlerischen Prozess. Leinen beobachtete nicht nur Menschen auf den Straßen, in der U-Bahn und anderen öffentlichen Räumen. Sie nahm alltägliche Gegenstände und Elemente der gebauten Umwelt in den Blick. Die zahlreichen Fotografien mit schnapp­schuss­artigem Charakter erinnern an eine Art Tagebuch. Im engen Zusammenhang zu den Fotografien entstanden ebenso grafische Objekte und Zeichnungen. In der Installation Using Priority setzt die Künstlerin die Beschäftigung mit räumlichen Fragen weiter fort, erweitert sie aber um Aspekte von Transport und Logistik.